Galería Acanto

HASTA EL 12 DE FEBRERO DE 2018

CON MOTIVO DE LA INCORPORACIÓN A LA MUESTRA DE UNA NOVEDAD EN PRIMICIA: UNA PINTURA ORIGINAL DE FEDERICO CASTELLÓN RECIÉN LLEGADA DE ESTADOS UNIDOS, PERTENECIENTE A LAS SERIES DE TRABAJOS QUE REALIZÓ EN MADRID EN LA DÉCADA DE 1960.

Federico Castellón, Two Reclining Figures, década de 1960, óleo y tinta sobre cartón, 79 x 101 cm

DEL 12 DE MAYO AL 1 DE JULIO DE 2017

INAUGURACIÓN VIERNES 12 DE MAYO, 21 horas

Pituco, El pintor y la modelo, técnica mixta sobre cartulina, 31 x 21,2 cm

Hemos seleccionado para esta exposición un conjunto de obras de Francisco García Giménez, “Pituco”, (Granada 1934 – Almería 1991), principalmente de las décadas de los años 50 y 60 del siglo XX, aunque también algunas de los 70 y 80, cuyo denominador común es el lenguaje artístico contemporáneo que el autor emplea en ellas, que entronca de pleno con algunas de las corrientes de la vanguardia artística europea del siglo XX, especialmente el postcubismo. Hecho que con la perspectiva del tiempo nos resulta sorprendente en la Almería de aquel momento y que habla de la sensibilidad y el talento de este artista almeriense, aunque nacido en Granada, discípulo de Jesús de Perceval (fundador del Movimiento Indaliano), que desarrolló una extraordinaria obra de vanguardia, con gran personalidad y coherencia, a pesar de las evidentes influencias que recibió de su maestro Perceval y sobre todo de Picasso, necesarias por otra parte, en un ambiente social y artístico que no era nada propicio para ello. Si bien es verdad que estas obras ya se han presentado en la gran exposición que el Museo de Arte de Almería le ha dedicado al artista este mismo año 2017,  la novedad que pretendemos aportar con esta muestra, fruto de la colaboración entre nuestra galería y el coleccionista y comisario artístico José Manuel Marín, impulsor junto con la Fundación de Arte Ibáñez Cosentino de aquella exposición, es la de ofrecer un nuevo enfoque, centrándonos exclusivamente en sus obras más vanguardistas, aislándolas del resto de obras más indalianas y más clásicas,  poniendo especial énfasis en la obra sobre papel en diversas técnicas: tinta, lápiz, gouache…, aunque también algunos óleos, alrededor de 70 obras en total,  permitiendo que el espectador en un espacio más íntimo y reducido, en un ámbito galerístico, muy distinto al de las grandes salas del Museo, se encuentre con la obra de otro modo, permitiéndole una nueva mirada, que enriquezca y complete la ya experimentada en el otro espacio, y ofreciendo una nueva oportunidad de contemplar esta fantástica y peculiar obra, también a aquellos que no pudieron hacerlo con anterioridad. Nos sumamos como galería a este  “año Pituco”, año en el que se está revisando el arte y la figura de un personal e interesante autor cuya obra había sido poco exhibida y poco conocida hasta ahora y que gracias a la labor de la Fundación de Arte Ibáñez Cosentino se está divulgando y dando a conocer en profundidad, a lo que pretendemos contribuir con esta exposición que inauguramos.

Pituco, Bodegón cubista (mujer y guitarra), tinta sobre cartulina. 32,5 x 23 cm

del 14 de octubre al 10 diciembre de 2016

INAUGURACIÓN VIERNES 14 DE OCTUBRE A LAS 21 h.

SAFI, Comer el Azul, 2016, pintura y pigmentos sobre objetos encontrados, 33 x 27 x 4,7 cm

En esta nueva exposición presentamos una amplia selección de  trabajos en escultura y pintura del artista SAFI ( José Antonio Jiménez Martínez, Serón, Almería, 1962), tanto recientes, como de distintas etapas anteriores. Un total de 24 esculturas, y 17 pinturas, en un recorrido que abarca esculturas desde 2002 hasta algunas realizadas este mismo verano de 2016, y  pinturas que pertenecen la mayoría a los dos últimos años,  a excepción de tres piezas de años anteriores. Con ello pretendemos dar a conocer el trabajo de este  singular artista, cuya obra ha estado presente en nuestra galería desde los inicios, en todas sus vertientes, tanto técnicas como estilísticas, mostrando su versatilidad y su heterogéneo modo de trabajar,  utilizando materiales como la piedra, la arena, la madera y el hierro y objetos encontrados que recicla dándoles una nueva vida , con una intención poética, de comunicar lo que las palabras no le permiten, y una marcada vocación social de denuncia de las situaciones de injusticia que sufren muchos seres

SAFI, La Siembra Roja, 2016, metal, 30 x 21 x19 cm

humanos. El azul como color está presente en muchas obras y en otras se intuye o subyace bajo otros colores. Para el artista el azul es un símil de la vida,  comer el azul es por tanto para él como comer la vida, es un modo de estar en el mundo,  mirándolo e interpretándolo a través del arte. Es su pulso vital , su forma de ver las cosas, es la luz y el calor para enfrentarse a todo aquello que considera injusto, para aspirar a un mundo mejor, donde desaparezcan las injusticias, y los hombres puedan vivir de acuerdo a sus más íntimos anhelos vitales.

Emilio Fernández,Galería Acanto

 ”Acercarse a ver la obra de José Antonio Jiménez, Safi, en Acanto estos días es adentrarse en su obra más madura. Desprovista cada vez más su obra de artificio, en “Comer el azul,” Safi desnuda su arte para acercarse a lo primario, a lo primigenio, a lo que siempre ha estado ahí y le define, y lo hace con los lenguajes que conoce: la pintura y la escultura y los materiales que definen su trabajo: arena, papel, hierro y objetos encontrados.”

Franciso Uceda. Breve extracto de su texto crítico “Comer el azul” para esta exposición. Ver texto completo.

Currículum-Biografía de SAFI

SAFI, Itsmos I, 2015, 32,2 x 49,5 cm, técnica mixta sobre papel

Del 16 junio al 10 septiembre de 2016

Inauguración jueves 16 de junio a las 21 horas

imagen: Manu Muñoz, LATVIAN SPRING, 2016, óleo sobre lienzo, 150 x 220 cm

Exposición que alberga los nuevos trabajos de Manu Muñoz (Cabo de Gata, Almería, 1977), realizados en los 3-4 últimos meses, 12 óleos sobre lienzo y 3 dibujos a grafito, los primeros que presenta públicamente en su dilatada carrera artística de 25 años, en un guiño a nuestra galería, eminentemente gráfica. INTO NOWHERE (hacia ninguna parte) es un proyecto vivo, al que se incorporarán las nuevas creaciones que vaya produciendo el artista durante el periodo que dure la muestra. Un conjunto heterogéneo de obras, que refleja la poliédrica visión del creador, en las que observamos un cierto hilo conductor, pero de muy diferente factura: unas con intensos colores, otras llenas de claroscuros y sombras. Reminiscencias románticas y neoclásicas convivirán en la sala con planteamientos cercanos al pop, con figuras rotundas y vibrantes contrates de color, en una exaltación de la realidad que da paso a una dimensión puramente pictórica, con vocación de atraer al espectador a un elevado deleite estético. La temática de las aves, paradigma de la armonía y de la belleza para el autor, tiene una importante presencia, tanto en las impactantes pinturas como en los sutiles y delicados dibujos. Hacia ninguna parte es lo mismo que decir hacia todas partes a la vez y hacia ninguna en concreto. El artista nos conduce por un viaje en el tiempo y el espacio, transitando los lugares donde ha encontrado y sigue encontrando la belleza, en un intento de sublimarla a través de sus pinturas, en un sentido universal y clásico, objetivo que le impulsa a componer y crear diferentes imágenes, a explorar nuevos mundos, al margen de modas y tendencias, quehacer que brota de él de un modo natural. La pintura para Manu no es tanto un modo de expresarse, como un divertimento, un deleite, un juego, y al mismo tiempo una vía de aprendizaje constante, nutriéndose absolutamente de todo aquello que ve . La misma pulsión que estuvo presente en sus primeras obras de adolescencia, y en las de sus posteriores etapas, a pesar de los cambios estilísticos, es la que hoy sigue empujando a Manu a crear. El autor siente la pintura como el medio de expresión artística más puro que existe, en tanto que refleja la energía de la persona en el momento de ejecutarla, sin trampa ni engaño, como un termómetro emocional y energético. “Into Nowhere” es también una metáfora de que el camino es lo importante, el trayecto que recorres, en la vida y en el arte. “Into Nowhere” es el modo en que cada uno distrae, también Manu, la ineludible línea cronológica nacimiento-muerte. No haber llegado a ninguna parte, a pesar de recorrer emocional y geográficamente infinidad de lugares, es para él una prueba de que está vivo, una senda por la que evadirse del inexorable final que supone la muerte.

Emilio Fernández, Galería Acanto

Breve nota biográfica

Durante el principio de la década de los noventa, Manu Muñoz (Almería, 1977), comenzó, de una forma totalmente accidental, su relación con las artes plásticas a través del graffiti: tres años dedicado exclusivamente a la realización de murales e intervenciones de todo tipo en su ciudad natal. En 1993 es invitado a participar en una exposición colectiva de carácter benéfico que marcará un punto de inflexión en su carrera. En la última mitad de los años noventa, se dedica casi por completo a la pintura, dejando en un segundo plano el graffiti, para trabajar y experimentar sobre nuevos soportes y materiales. Es en este periodo cuando realiza su primera exposición en una galería de arte del madrileño barrio de Huertas. A partir de ese momento se suceden diferentes participaciones en exposiciones colectivas fuera y dentro de España, y su labor creativa se convierte en el eje vital del artista. En el año 2000, su serie “Humedad relativa” le abre la puerta de la Galería Blanca Soto de Madrid, donde realiza varias exposiciones. En paralelo, la obtención de varios premios y menciones sitúan su trabajo en el mapa artístico nacional. Tras un breve letargo durante los años 2005 y 2006, traslada su residencia a Londres, ciudad que produce un fuerte cambio en el artista y en su obra. Allí, en el barrio de Chelsea, su muestra “Psychotourism” revela un inesperado giro hacia la figuración que permanece en su obra hasta el día de hoy. Su trabajo ha podido verse en varios países de fuera y dentro de Europa: Japón, Estados Unidos, Alemania, Bélgica o Inglaterra.Tras el periodo londinense vuelve a fijar su residencia en Cabo de Gata, Almería, dónde actualmente vive y trabaja.

Obra gráfica contemporánea

del 18 de diciembre 2015 al 5 de marzo 2016.

INAUGURACIÓN VIERNES 18 DICIEMBRE 21 H

Picasso ,Le Corbusier, Max Ernst, Miró, Henry Moore, Dalí, Clavé, Castellón, Palazuelo, Barjola, Tápies, Chillida, Guinovart, Feito, Saura, Gordillo, Canogar, Manuel Alcorlo, Antonio López, Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, Cristobal Toral, Joaquín Capa, Emilio Sdun, Manolo Valdés, Eduardo Naranjo, Monique de Roux, Miguel Carini, Pérez Villalta, César Luengo, Vicente Arnás, Mariscal, Antonio Egea, Martín Pastor, Clara Gangutia, Lamazares, Pedro Castrortega, Ceesepe, Javier de Juan, Paco Aguilar, Abraham Lacalle, Emilio Pérez, Mika Murakami, Didier Lourenço, Ivan Araujo, Eloy Morales, Javier Banegas, F. Martínez Romera, Laia Arqueros, Beatriz Salvador.

Presentamos esta nueva exposición colectiva de Obra Gráfica para conmemorar nuestros 15 años de Galería, que abrimos al público por primera vez el 21 de diciembre de 2000 con la exposición titulada “Gráfica Contemporánea”, entonces con autores como Dalí, Tàpies, Feito, Guerrero, Mariscal, Paco Aguilar, Ana Alberca, Maad, etc., de la que hemos celebrado 9 ediciones, con la misma fórmula: presentar obra gráfica de los grandes autores del arte contemporáneo, junto a la de artistas actuales, emergentes o de reconocido prestigio, tanto locales, nacionales como internacionales, que trabajan las técnicas de obra gráfica. Fórmula que volvemos a emplear en esta ocasión, ya que representa la línea, el contenido , la motivación y la vocación de esta galería, dedicada principalmente a la divulgación de la obra gráfica original (grabado, litografía, serigrafía, digital…), intentando ofrecer una amplia diversidad de propuestas marcadas siempre por la contemporaneidad y la calidad artística.

En aquel entonces nuestro buen amigo y colaborador Antonio Gámez, doctor en Bellas Artes, gran teórico del arte, de extraordinaria sensibilidad, hizo un escrito de presentación de la galería y de su primera exposición que tituló ¡A la rica estampa!, en cuyo homenaje hemos denominado así esta muestra conmemorativa. Con estas palabras comenzaba dicho texto: “Así, de este modo, se pregonaba en la Valencia del siglo XVI el noble arte del grabado…”. Y así en la Almería del siglo XXI, tras 15 de años de experiencia en la tarea de mostrar este arte por el que sentimos pasión, seguimos intentando ofrecer propuestas interesantes, sobre todo en el campo de la obra gráfica, aunque en este largo periodo hemos abarcado y lo seguimos haciendo, otras disciplinas artísticas.

En cada edición de gráfica contemporánea se han ido sumando nuevos autores, tanto de la vanguardia histórica como actuales, junto a muchos que han repetido participación a lo largo de varias ediciones. Esta vez es igual, y con más motivo aún, al tratarse de una celebración de aniversario. No podemos incluir en una sola exposición a todos los artistas por los que sentimos admiración, ni a todos los que han estado presentes a lo largo de tantos años, ni a todos los que consideramos de la casa. Es una conmemoración manteniendo el mismo espíritu del principio, que sentimos que sigue vivo tras 15 años. Aún nos sigue emocionando del arte lo mismo que entonces y aún, y esperemos que por mucho tiempo, nos llena de ilusión el descubrimiento de nuevas obras, de nuevos autores, presentar al público nuevas propuestas que nos estimulan y con las que pretendemos estimular a los demás, compartiendo el Arte, sirviendo de puente entre los artistas y el público, celebrando la posibilidad del encuentro entre observador y observado, entre creador y degustador, entre el alma del artista y la del que comtempla la obra de arte, intentando hacer posible esa necesaria comunicación.

Han sido muchas las experiencias a lo largo de tanto tiempo: mucho trabajo, mucho entusiasmo, mucho esfuerzo, mucha ilusión, mucho estrés y nervios, mucha pasión, mucho placer, alguna que otra decepción, etc… Hemos cambiado de ubicación, muchos recordarán los primeros años del mágico sótano de Acanto, con sus muros de piedra y sus techos abovedados. Por ser esta una celebración tan especial no sólo presentamos la muestra en nuestro local actual, sino que la hemos extendido a nuestro primigenio espacio, el sótano de Acanto, que hoy alberga el excelente y distinguido bar Macla. Mientras dure la exposición, como si de un viaje en el tiempo se tratara, y gracias a la generosidad y complicidad del equipo Macla , volverán los grabados de diversos artistas a colgar de los muros centenarios que vieron nacer nuestro proyecto artístico allá por el lejano año 2000.

Hemos ampliado la nómina de autores con la incorporación de grandes de la vanguardia que hasta ahora no habíamos presentado aún como Miró, Le Corbusier, Max Ernst, Henry Moore, Barjola, Palazuelo, Antonio López ; repiten muchos de los grandes como Picasso, Dalí, Tàpies, Chillida, Guinovart, Feito, Saura, Gordillo, Canogar, Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, Joaquín Capa, Manolo Valdés, Mariscal, Lamazares. Se incorporan también por primera vez Manuel Alcorlo, Cristobal Toral, Eduardo Naranjo, Pérez Villalta, César Luengo, Vicente Arnás, Clara Gangutia, Pedro Castrortega, Ceesepe, Javier de Juan, Ivan Araujo y Eloy Morales. Hemos contado también con algunos de los artistas habituales de la casa, en representación de todos los que forman parte de la familia Acanto como Monique de Roux, Miguel Carini, Paco Aguilar, Mika Murakami, Didier Lourenço o Javier Banegas. Especial hincapié hemos puesto en ofrecer una nutrida representación de artistas almerienses, ya sean de nacimiento o de adopción, ya que creemos importante apoyar y difundir el arte y los artistas de nuestra provincia, comandados por el histórico e ilustre Federico Castellón, auténtico emblema de nuestra galería, e incorporando por primera vez a Abraham Lacalle, nuestro artista actual más internacional, junto a los que estarán habituales como Martín Pastor, Emilio Pérez, Francisco Martínez Romera, Laia Arqueros, y muy especialmente Emilio Sdun, hermano artístico que ha fallecido este mismo año y al que dedicamos muy sentidamente esta muestra de esta su casa. Por último citar a dos nuevos fichajes almerienses, el veterano Antonio Egea, que aunque hasta ahora no había expuesto con nosostros, fue el primer coleccionista que se suscribió como socio de nuestra galería, y aún lo sigue siendo, y es un miembro más de esta casa, y por último la debutante Beatriz Salvador, almeriense de tan solo 21 años, totalmente dedicada al arte del grabado, su auténtica vocación, que viene de presentar su primera exposición en Londres. Hay muchas ausencias de artistas fundamentales de esta galería, algunos de ellos han tenido exposición individual este año con nosotros, y aunque haya sido imposible incluir a todos, están también presentes, pues forman parte de la pequeña historia y del presente de esta galería y de nuestro proyecto artístico.

Como dato curioso quiero apuntar que el orden en el que aparecen los nombres de los artistas es el cronológico de su nacimiento, desde el 1881 en que nació Picasso hasta el 1994 de Beatriz Salvador, siendo la obra más antigua que presentamos la litografía de Picasso de 1949, y las más recientes, varias obras de 2015 de diferentes autores. El Arte trasciende el tiempo y el espacio, es inmortal y eterno.

Emilio Fernández, Galería Acanto, diciembre 2015

Dos exposiciones individuales simultáneas, entre el 13 noviembre y el 12 diciembre de 2015

Inauguración: viernes 13 de noviembre, 21 horas

Karlos Kaplan, Primavera E1. Carpeta Estaciones, 2014, Fotografía. Copia giclée con tintas pigmentadas sobre papel de algodón Moab Entrada Rag Natural 300 grs. Papel: 42 x 29,7 cm. Imagen: 29 x 19,3 cm. Edición: 10 ejemplares.1/10

“Estaciones” es una colección de doce fotografías de Karlos Kaplan ( pseudónimo de Carlos Fernández, Almería,1980), divididas en dos bloques, que se corresponden con las dos líneas de trabajo que desarrolla el autor :  uno figurativo: primavera y otoño, donde nos ofrece sugerentes imágenes descriptivas de lugares determinados, desde una personal y sensible mirada, dotándolas de gran lirismo; y otro abstracto: verano e invierno, en el que a través de subjetivas e impactantes composiciones pretende transmitirnos sensaciones conectadas con la estación en cuestión sobre la que reflexiona en cada caso, dejando a un lado la identificación real e incluso estacional de los lugares, dando primacía a las impresiones, sirviéndose para ello de los colores, las formas, las atmósferas y las texturas. A pesar de las diferencias cromáticas y estilísticas de cada grupo de obras, emana de todas ellas un halo de paz, quietud y serenidad, una luminosidad casi espiritual que nos induce a una placentera calma, a una contemplación meditativa, sintiendo que cada imagen nos acerca a la esencia misma de la existencia.

Juan Antonio Morales, Red Joy, 2015, Medidas serie Natural Size: 54 x 34,02 cm en papel de 72 x 52,02 cm. Hahnemühle German Etching 310 gr. Medidas serie Medium Size: 40 x 25,2 cm en papel de 45 x 30,2 cm. Hahnemühle Bamboo 290 gr. Técnica: Modelado digital en Blender y ZBrush. Renderizado con Cycles. Ajuste de color en Photoshop.

“Made with Love” (part I) se compone de seis hiperrealistas y simbolistas imágenes, rebosantes de luz, color y vitalidad, creadas por Juan Antonio Morales (Mazarrón, 1973) íntegramente en modelado digital, las primeras de un proyecto en pleno desarrollo que espera completar próximamente. Toda coincidencia con la realidad en este caso es una auténtica, extraordinaria e increíble “causalidad”, o lo que es lo mismo todas ellas son minuciosísimas recreaciones totalmente digitales y artificiales de objetos y escenas reales, son el efecto causado por el corazón, la mente y la mano del autor, con la ayuda de los programas Blender, Zbrush y Cycles. Composiciones de un detallismo extremo repletas de delicadas sutilezas, de un simbolismo emocional y narrativo íntimamente ligado a sus vivencias personales. Un bello canto al Amor y a la Vida que nos invita a participar de ella en una permanente celebración de la Belleza.

¿ Por qué presentamos ambas exposiciones simultáneamente? Porque son dos proyectos que dialogan entre sí a la perfección tanto técnica como visualmente, en una suerte de curiosas coincidencias y paradojas:

En primer lugar ambos artistas son de la casa, han expuesto con nosotros desde sus inicios, y nuestra galería ha sido la plataforma de difusión de su arte desde siempre.

Karlos Kaplan, Invierno E3. Carpeta Estaciones, 2014, Fotografía. Copia giclée con tintas pigmentadas sobre papel de algodón Moab Entrada Rag Natural 300 grs. Papel: 42 x 29,7 cm. Imagen: 29 x 21,7 cm. Edición: 25 ejemplares.1/25

Los dos trabajan técnicas digitales, y aquí la primera paradoja:

mientras Karlos capta imágenes reales muchas de las cuales se transforman en composiciones totalmente abstractas alejadas de cualquier realidad reconocible al margen de la realidad plástica; Juan Antonio crea artificialmente imágenes cuya asombrosa apariencia realista es una mera ilusión óptica.

Ambos proyectos tienen una gran carga emocional y poética, con protagonismo de la luz, los colores intensos y los elementos de la naturaleza que en “Estaciones” aparecen en su hábitat natural, y en “Made with Love” en interiores, a modo de naturalezas muertas.

Karlos es un almeriense que vive en Alemania, país donde ha capturado la mitad de las imágenes (primavera y otoño), perteneciendo la otra mitad (verano e invierno) a Almería, aunque su encuentro inspirador con las auténticas estaciones del año se ha producido en el país germano donde seleccionó y dio sentido a esta carpeta, al margen de la procedencia de las imágenes.

Juan Antonio es un murciano, que habita a caballo entre Chequia y Almería, y cuya inspiración para la creación de estas imágenes procede de aquél país centroeuropeo y sus vivencias en él.