Galería Acanto


 
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Novedades

PRÓRROGA de la EXPOSICIÓN “Expresionismo en Federico Castellón y otros artistas almerienses”

25-01-2018

HASTA EL 12 DE FEBRERO DE 2018

CON MOTIVO DE LA INCORPORACIÓN A LA MUESTRA DE UNA NOVEDAD EN PRIMICIA: UNA PINTURA ORIGINAL DE FEDERICO CASTELLÓN RECIÉN LLEGADA DE ESTADOS UNIDOS, PERTENECIENTE A LAS SERIES DE TRABAJOS QUE REALIZÓ EN MADRID EN LA DÉCADA DE 1960.

Federico Castellón, Two Reclining Figures, década de 1960, óleo y tinta sobre cartón, 79 x 101 cm

Exposición “Expresionismo en Federico Castellón y otros artistas almerienses” Del 17 de noviembre de 2017 al 20 de enero de 2018

2-01-2018

Inauguración17 de noviembre de 2017 a las 21 h

Del 17 de noviembre de 2017 al 20 de enero de 2018

obra del cartel: Federico Castellón, The Suplicant, c.1962, litografía, 53,5 x 36,4 cm, 11/28

Federico Castellón (Alhabia, Almería, 1914 – Nueva York, 1971)

vs.

Laia Arqueros (Almería,1985)

Ginés Cervantes (Huércal-Overa, Almería,1939)

José Francisco Martín Pastor (Almería,1952)

Emilio Pérez (Madrid, 1965)

Beatriz Salvador (Almería, 1994)

Sol Úbeda ( Almería, 1959)

 En esta exposición presentamos una selección de obras (dibujos, grabados y litografías) del histórico artista almeriense Federico Castellón (Alhabia, Almería, 1914 – Nueva York, 1971), algunas de ellas inéditas y otras que se exhiben por primera vez en Almería, de un marcado carácter expresionista. Castellón es uno de los artistas almerienses más relevantes del siglo XX, cuya obra está presente en todos los grandes museos de arte contemporáneo de Estados Unidos, su patria adoptiva a la que emigró junto con su familia a la edad de seis años, y donde protagonizó una extraordinaria y exitosa carrera como pintor, grabador y litógrafo, recibiendo numerosos  premios y reconocimientos. En cuanto a su estilo, tras una breve etapa realista en sus inicios, se afianzó como artista dentro del surrealismo en la década de los años 30 del siglo XX, y posteriormente incorporó otros estilos: clasicismo, realismo social, expresionismo, simbolismo, conviviendo varios de ellos en gran parte de sus obras. Fue un artista que no se encasilló en una determinada corriente ni en un estilo concreto, sino que hizo en cada momento aquello que sentía. En sus propias palabras: “…. No pertenezco a ninguna escuela, excepto a la escuela de la sinceridad….”.

Junto a las obras de Federico Castellón, y en diálogo con las mismas, exponemos grabados, dibujos y pinturas de seis artistas almerienses actuales de distintas generaciones y variadas sensibilidades, Laia Arqueros (Almería,1985) Ginés Cervantes (Huércal-Overa, Almería,1939), José Francisco Martín Pastor (Almería,1952), Emilio Pérez (Madrid, 1965) , Beatriz Salvador (Almería, 1994) y Sol Úbeda ( Almería, 1959),  que comparten entre sí y con el de Alhabia, un espíritu decididamente expresionista que desarrollan  en sus respectivas obras figurativas.

El expresionismo que suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad, surgió en Alemania a principios del siglo XX como movimiento cultural  que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura,coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Eso es lo que pretendemos con esta exposición , extrapolar ese espíritu de los primeros expresionistas a la Almería del siglo XXI, donde estos seis artistas almerienses, en diálogo con el espíritu expresionista presente en las obras de su paisano predecesor Federico Castellón,  hacen suyo ese sentimiento a la hora de crear,  ofreciéndonos los siete su personal expresión subjetiva de la realidad desde su visión interior de la misma.

 

 

Exposición MEDITERRÁNEO 2017, 21 DE JULIO – 16 DE SEPTIEMBRE 2017

20-07-2017

OBRA GRÁFICA, PINTURA, ESCULTURA,  FOTOGRAFÍA

21 DE JULIO -  16 DE SEPTIEMBRE 2017

ACTO DE APERTURA DE LA EXPOSICIÓN:  VIERNES 21 DE JULIO,  20,30 HORAS

José Manuel Peña, Serie Ultramar, 2017, 46 x 46 cm grabado al aguafuerte, aguatinta, paper art, collagraf

Cuarta Edición de “Mediterráneo”, exposición colectiva multidisciplinar (obra gráfica, pintura, escultura,  fotografía) con un tema en común, nuestro mar y el paisaje que lo rodea, así como la luz, los colores, el paisaje y el paisanaje, las sensaciones, las vivencias, la cultura , la mitología, todo ello visto e interpretado desde múltiples ópticas, con  diversas técnicas y estilos, por trece artistas de muy distintas procedencias.

 

Se trata de la quinta edición de esta muestra en nuestra galería, idea que nació en 2005, año de los Juegos Mediterráneos de Almería, y año en que la revista literaria y artísitica “Salamandria” publicó un número monográfico sobre el Mediterráneo. Una selección de las obras originales que ilustraron la revista fue el contenido de aquella muestra. En 2006, 2013 y 2014 celebramos la segunda, tercera y cuarta edición,  contando con algunos  de los artistas presentes en la primera e incorporando a nuevos autores, al igual que en esta quinta ocasión.

Karlos Kaplan, Serie Ruptura, 2016, fotografía, 60 x 90 cm

LAURA ARDILA ( Colombia, 1984)

CHRISTIAN BOZON (Lons le saunier. Francia, 1969)

OLEGARIO COSANO (Córdoba, 1958)

ENCARNA HITOS (Granada)

JOSÉ ANTONIO JIMÉNEZ MARTÍNEZ, “SAFI”, ( Serón, Almería, 1962)

KARLOS KAPLAN (Almería, 1980)

RESTITUTO LÓPEZ, “RESTI”, (Villena, Alicante, 1948)

FRANCISCO MARTÍNEZ ROMERA (Almería 1977)

JOSEP MOSCARDÓ (Barcelona, 1953)

MIKA MURAKAMI (Shizuoka-Ken,Japón, 1965)

JOSÉ MANUEL PEÑA (Granada, 1963)

MONIQUE DE ROUX, (Boulogne-Billancourt, Francia, 1946)

CONNIE WESTENDORP (La Haya, Holanda, 1951)

 

Grabados de  Christian Bozon,  Mika Murakami , Jose Manuel Peña y Monique de Roux;

Litografías  de Laura Ardila;

Serigrafías de Josep Moscardó ;

Dibujos de Resti;

Pinturas de Olegario Cosano, Encarna Hitos  y Connie Westendorp

Fototografías de Karlos Kaplan y Francisco Martínez Romera

Esculturas de Safi;

 

Connie Westendorp, 2017, Técnica mixta sobre lienzo, 54 x 134 cm

Exposición “PITUCO, Obra de Vanguardia”

8-05-2017

DEL 12 DE MAYO AL 1 DE JULIO DE 2017

INAUGURACIÓN VIERNES 12 DE MAYO, 21 horas

Pituco, El pintor y la modelo, técnica mixta sobre cartulina, 31 x 21,2 cm

 

Hemos seleccionado para esta exposición un conjunto de obras de Francisco García Giménez, “Pituco”, (Granada 1934 – Almería 1991), principalmente de las décadas de los años 50 y 60 del siglo XX, aunque también algunas de los 70 y 80, cuyo denominador común es el lenguaje artístico contemporáneo que el autor emplea en ellas, que entronca de pleno con algunas de las corrientes de la vanguardia artística europea del siglo XX, especialmente el postcubismo. Hecho que con la perspectiva del tiempo nos resulta sorprendente en la Almería de aquel momento y que habla de la sensibilidad y el talento de este artista almeriense, aunque nacido en Granada, discípulo de Jesús de Perceval (fundador del Movimiento Indaliano), que desarrolló una extraordinaria obra de vanguardia, con gran personalidad y coherencia, a pesar de las evidentes influencias que recibió de su maestro Perceval y sobre todo de Picasso, necesarias por otra parte, en un ambiente social y artístico que no era nada propicio para ello. Si bien es verdad que estas obras ya se han presentado en la gran exposición que el Museo de Arte de Almería le ha dedicado al artista este mismo año 2017,  la novedad que pretendemos aportar con esta muestra, fruto de la colaboración entre nuestra galería y el coleccionista y comisario artístico José Manuel Marín, impulsor junto con la Fundación de Arte Ibáñez Cosentino de aquella exposición, es la de ofrecer un nuevo enfoque, centrándonos exclusivamente en sus obras más vanguardistas, aislándolas del resto de obras más indalianas y más clásicas,  poniendo especial énfasis en la obra sobre papel en diversas técnicas: tinta, lápiz, gouache…, aunque también algunos óleos, alrededor de 70 obras en total,  permitiendo que el espectador en un espacio más íntimo y reducido, en un ámbito galerístico, muy distinto al de las grandes salas del Museo, se encuentre con la obra de otro modo, permitiéndole una nueva mirada, que enriquezca y complete la ya experimentada en el otro espacio, y ofreciendo una nueva oportunidad de contemplar esta fantástica y peculiar obra, también a aquellos que no pudieron hacerlo con anterioridad. Nos sumamos como galería a este  “año Pituco”, año en el que se está revisando el arte y la figura de un personal e interesante autor cuya obra había sido poco exhibida y poco conocida hasta ahora y que gracias a la labor de la Fundación de Arte Ibáñez Cosentino se está divulgando y dando a conocer en profundidad, a lo que pretendemos contribuir con esta exposición que inauguramos.

Pituco, Bodegón cubista (mujer y guitarra), tinta sobre cartulina. 32,5 x 23 cm

Exposición “GRÁFICA CONTEMPORÁNEA 2016″, 23 de diciembre 2016 – 4 de marzo 2017

21-12-2016

23 de diciembre 2016  –  4 de marzo 2017

INAUGURACIÓN VIERNES 23 DE DICIEMBRE, 21 HORAS

Miró, Dalí, Federico Castellón, José Guerrero, Joan Brossa, Tápies, Ràfols-Casamada, Chillida, Guinovart, Feito, Hernández Pijuan, Alfons Borrell, Jorge Castillo, Simón Alvar, Eduardo Arroyo, Isabel Quintanilla, Arranz-Bravo, Manolo Valdés, Javier Mariscal, Ceesepe,  Rafael R. de Rivera, Bing-Chuan Leng, Abraham Lacalle, Safi, Unai San Martín, Álvaro Toledo, Concha Lidón, Dr. Lakra, Aurora Rumí, Francisco Martínez Romera, Karlos Kaplan, Laura Ardila

 

Joan Miró, Serie Personatges I Estels: Plate 1979, 1979, aguafuerte y aguatinta, 91 X 64 cm, 41/50

Nos complace invitarles a la nueva exposición colectiva de obra gráfica contemporánea que inauguramos el próximo 23 de diciembre, como ya viene siendo tradicional por estas fechas en nuestra galería. Como en ocasiones anteriores hemos contado con obras de primerísimas firmas del arte del siglo XX, como Miró, Dalí, Federico Castellón, José Guerrero, Tàpies, Chillida etc., junto con obras de autores actuales de reconocido prestigio, del panorama nacional e internacional, tales como Mariscal, Bing Chuan Leng, Abraham Lacalle, Unai San Martín, Álvaro Toledo, Dr. Lakra etc., con un especial apartado de artistas actuales de Almería, ya sea nativos o adoptivos: Safi, que acaba de exponer individualmente en nuestra sala sus esculturas y pinturas y que ahora nos presenta sus grabados, Concha Lidón, Aurora Rumí, Francisco Martínez Romera, Karlos Kaplan y Laura Ardila, además del histórico Federico Castellón y del consagrado Abraham Lacalle, citados anteriormente. En cuanto a las técnicas de las obras presentadas contamos con todas las englobadas en la obra gráfica: serigrafía, litografía, diferentes técnicas de grabado, obra digital.

Joan Hernández Pijuan, litografía, 1987, 56 x 76 cm

La variedad de estilos es otro de los rasgos que definen a esta exposición, todos ellos dentro de la contemporaneidad artística, desde el surrealismo de Miró, Dalí, Castellón o Castillo, hasta el realismo de Isabel Quintanilla, Álvaro Toledo o Unai San Martín, pasando por muy diferentes tipos de abstracción, la gestual de Tàpies ,Guerrero, Guinovart, Casamada, Feito, Borrell, Arranz-Bravo, Concha Lidón o Kaplan, la geométrica de Chillida o De Rivera, las composiciones metafísicas de Abraham Lacalle, el minimalismo de Hernández Pijuan, El pop en muy diversas vertientes de la mano de Arroyo, Valdés, Mariscal, Ceesepe, Dr. Lakra, Aurora Rumí y Martínez Romera; la figuración onírica de Simón Alvar, o Bing Chuan Leng  , la poesía visual de Joan Brossa, o los sutiles grabados de Laura Ardila, con una estética cercana al arte zen.

Jorge Castillo, aguafuerte y aguatinta, 1991, imagen 86 X 118 cm, papel 97 x 131 cm, 4/60

Exposición COMER EL AZUL, esculturas y pinturas de SAFI

10-10-2016

del 14 de octubre al 10 diciembre de 2016

INAUGURACIÓN VIERNES 14 DE OCTUBRE A LAS 21 h.

SAFI, Comer el Azul, 2016, pintura y pigmentos sobre objetos encontrados, 33 x 27 x 4,7 cm

En esta nueva exposición presentamos una amplia selección de  trabajos en escultura y pintura del artista SAFI ( José Antonio Jiménez Martínez, Serón, Almería, 1962), tanto recientes, como de distintas etapas anteriores. Un total de 24 esculturas, y 17 pinturas, en un recorrido que abarca esculturas desde 2002 hasta algunas realizadas este mismo verano de 2016, y  pinturas que pertenecen la mayoría a los dos últimos años,  a excepción de tres piezas de años anteriores. Con ello pretendemos dar a conocer el trabajo de este  singular artista, cuya obra ha estado presente en nuestra galería desde los inicios, en todas sus vertientes, tanto técnicas como estilísticas, mostrando su versatilidad y su heterogéneo modo de trabajar,  utilizando materiales como la piedra, la arena, la madera y el hierro y objetos encontrados que recicla dándoles una nueva vida , con una intención poética, de comunicar lo que las palabras no le permiten, y una marcada vocación social de denuncia de las situaciones de injusticia que sufren muchos seres

SAFI, La Siembra Roja, 2016, metal, 30 x 21 x19 cm

humanos. El azul como color está presente en muchas obras y en otras se intuye o subyace bajo otros colores. Para el artista el azul es un símil de la vida,  comer el azul es por tanto para él como comer la vida, es un modo de estar en el mundo,  mirándolo e interpretándolo a través del arte. Es su pulso vital , su forma de ver las cosas, es la luz y el calor para enfrentarse a todo aquello que considera injusto, para aspirar a un mundo mejor, donde desaparezcan las injusticias, y los hombres puedan vivir de acuerdo a sus más íntimos anhelos vitales.

Emilio Fernández,Galería Acanto

 ”Acercarse a ver la obra de José Antonio Jiménez, Safi, en Acanto estos días es adentrarse en su obra más madura. Desprovista cada vez más su obra de artificio, en “Comer el azul,” Safi desnuda su arte para acercarse a lo primario, a lo primigenio, a lo que siempre ha estado ahí y le define, y lo hace con los lenguajes que conoce: la pintura y la escultura y los materiales que definen su trabajo: arena, papel, hierro y objetos encontrados.”

Franciso Uceda. Breve extracto de su texto crítico “Comer el azul” para esta exposición. Ver texto completo.

Currículum-Biografía de SAFI

SAFI, Itsmos I, 2015, 32,2 x 49,5 cm, técnica mixta sobre papel

Exposición INTO NOWHERE de Manu Muñoz

12-06-2016

Del 16 junio al 10 septiembre de 2016

Inauguración jueves 16 de junio a las 21 horas

imagen: Manu Muñoz, LATVIAN SPRING, 2016, óleo sobre lienzo, 150 x 220 cm

Exposición que alberga los nuevos trabajos de Manu Muñoz (Cabo de Gata, Almería, 1977), realizados en los 3-4 últimos meses, 12 óleos sobre lienzo y 3 dibujos a grafito, los primeros que presenta públicamente en su dilatada carrera artística de 25 años, en un guiño a nuestra galería, eminentemente gráfica. INTO NOWHERE (hacia ninguna parte) es un proyecto vivo, al que se incorporarán las nuevas creaciones que vaya produciendo el artista durante el periodo que dure la muestra. Un conjunto heterogéneo de obras, que refleja la poliédrica visión del creador, en las que observamos un cierto hilo conductor, pero de muy diferente factura: unas con intensos colores, otras llenas de claroscuros y sombras. Reminiscencias románticas y neoclásicas convivirán en la sala con planteamientos cercanos al pop, con figuras rotundas y vibrantes contrates de color, en una exaltación de la realidad que da paso a una dimensión puramente pictórica, con vocación de atraer al espectador a un elevado deleite estético. La temática de las aves, paradigma de la armonía y de la belleza para el autor, tiene una importante presencia, tanto en las impactantes pinturas como en los sutiles y delicados dibujos. Hacia ninguna parte es lo mismo que decir hacia todas partes a la vez y hacia ninguna en concreto. El artista nos conduce por un viaje en el tiempo y el espacio, transitando los lugares donde ha encontrado y sigue encontrando la belleza, en un intento de sublimarla a través de sus pinturas, en un sentido universal y clásico, objetivo que le impulsa a componer y crear diferentes imágenes, a explorar nuevos mundos, al margen de modas y tendencias, quehacer que brota de él de un modo natural. La pintura para Manu no es tanto un modo de expresarse, como un divertimento, un deleite, un juego, y al mismo tiempo una vía de aprendizaje constante, nutriéndose absolutamente de todo aquello que ve . La misma pulsión que estuvo presente en sus primeras obras de adolescencia, y en las de sus posteriores etapas, a pesar de los cambios estilísticos, es la que hoy sigue empujando a Manu a crear. El autor siente la pintura como el medio de expresión artística más puro que existe, en tanto que refleja la energía de la persona en el momento de ejecutarla, sin trampa ni engaño, como un termómetro emocional y energético. “Into Nowhere” es también una metáfora de que el camino es lo importante, el trayecto que recorres, en la vida y en el arte. “Into Nowhere” es el modo en que cada uno distrae, también Manu, la ineludible línea cronológica nacimiento-muerte. No haber llegado a ninguna parte, a pesar de recorrer emocional y geográficamente infinidad de lugares, es para él una prueba de que está vivo, una senda por la que evadirse del inexorable final que supone la muerte.

Emilio Fernández, Galería Acanto

Breve nota biográfica

Durante el principio de la década de los noventa, Manu Muñoz (Almería, 1977), comenzó, de una forma totalmente accidental, su relación con las artes plásticas a través del graffiti: tres años dedicado exclusivamente a la realización de murales e intervenciones de todo tipo en su ciudad natal. En 1993 es invitado a participar en una exposición colectiva de carácter benéfico que marcará un punto de inflexión en su carrera. En la última mitad de los años noventa, se dedica casi por completo a la pintura, dejando en un segundo plano el graffiti, para trabajar y experimentar sobre nuevos soportes y materiales. Es en este periodo cuando realiza su primera exposición en una galería de arte del madrileño barrio de Huertas. A partir de ese momento se suceden diferentes participaciones en exposiciones colectivas fuera y dentro de España, y su labor creativa se convierte en el eje vital del artista. En el año 2000, su serie “Humedad relativa” le abre la puerta de la Galería Blanca Soto de Madrid, donde realiza varias exposiciones. En paralelo, la obtención de varios premios y menciones sitúan su trabajo en el mapa artístico nacional. Tras un breve letargo durante los años 2005 y 2006, traslada su residencia a Londres, ciudad que produce un fuerte cambio en el artista y en su obra. Allí, en el barrio de Chelsea, su muestra “Psychotourism” revela un inesperado giro hacia la figuración que permanece en su obra hasta el día de hoy. Su trabajo ha podido verse en varios países de fuera y dentro de Europa: Japón, Estados Unidos, Alemania, Bélgica o Inglaterra.Tras el periodo londinense vuelve a fijar su residencia en Cabo de Gata, Almería, dónde actualmente vive y trabaja.

Exposición “¡ A LA RICA ESTAMPA!, 15 años de Galería Acanto”

15-12-2015

Obra gráfica contemporánea

del 18 de diciembre 2015 al 5 de marzo 2016.

INAUGURACIÓN VIERNES 18 DICIEMBRE 21 H

Picasso ,Le Corbusier, Max Ernst, Miró, Henry Moore, Dalí, Clavé, Castellón, Palazuelo, Barjola, Tápies, Chillida, Guinovart, Feito, Saura, Gordillo, Canogar, Manuel Alcorlo, Antonio López, Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, Cristobal Toral, Joaquín Capa, Emilio Sdun, Manolo Valdés, Eduardo Naranjo, Monique de Roux, Miguel Carini, Pérez Villalta, César Luengo, Vicente Arnás, Mariscal, Antonio Egea, Martín Pastor, Clara Gangutia, Lamazares, Pedro Castrortega, Ceesepe, Javier de Juan, Paco Aguilar, Abraham Lacalle, Emilio Pérez, Mika Murakami, Didier Lourenço, Ivan Araujo, Eloy Morales, Javier Banegas, F. Martínez Romera, Laia Arqueros, Beatriz Salvador.

Presentamos esta nueva exposición colectiva de Obra Gráfica para conmemorar nuestros 15 años de Galería, que abrimos al público por primera vez el 21 de diciembre de 2000 con la exposición titulada “Gráfica Contemporánea”, entonces con autores como Dalí, Tàpies, Feito, Guerrero, Mariscal, Paco Aguilar, Ana Alberca, Maad, etc., de la que hemos celebrado 9 ediciones, con la misma fórmula: presentar obra gráfica de los grandes autores del arte contemporáneo, junto a la de artistas actuales, emergentes o de reconocido prestigio, tanto locales, nacionales como internacionales, que trabajan las técnicas de obra gráfica. Fórmula que volvemos a emplear en esta ocasión, ya que representa la línea, el contenido , la motivación y la vocación de esta galería, dedicada principalmente a la divulgación de la obra gráfica original (grabado, litografía, serigrafía, digital…), intentando ofrecer una amplia diversidad de propuestas marcadas siempre por la contemporaneidad y la calidad artística.

En aquel entonces nuestro buen amigo y colaborador Antonio Gámez, doctor en Bellas Artes, gran teórico del arte, de extraordinaria sensibilidad, hizo un escrito de presentación de la galería y de su primera exposición que tituló ¡A la rica estampa!, en cuyo homenaje hemos denominado así esta muestra conmemorativa. Con estas palabras comenzaba dicho texto: “Así, de este modo, se pregonaba en la Valencia del siglo XVI el noble arte del grabado…”. Y así en la Almería del siglo XXI, tras 15 de años de experiencia en la tarea de mostrar este arte por el que sentimos pasión, seguimos intentando ofrecer propuestas interesantes, sobre todo en el campo de la obra gráfica, aunque en este largo periodo hemos abarcado y lo seguimos haciendo, otras disciplinas artísticas.

En cada edición de gráfica contemporánea se han ido sumando nuevos autores, tanto de la vanguardia histórica como actuales, junto a muchos que han repetido participación a lo largo de varias ediciones. Esta vez es igual, y con más motivo aún, al tratarse de una celebración de aniversario. No podemos incluir en una sola exposición a todos los artistas por los que sentimos admiración, ni a todos los que han estado presentes a lo largo de tantos años, ni a todos los que consideramos de la casa. Es una conmemoración manteniendo el mismo espíritu del principio, que sentimos que sigue vivo tras 15 años. Aún nos sigue emocionando del arte lo mismo que entonces y aún, y esperemos que por mucho tiempo, nos llena de ilusión el descubrimiento de nuevas obras, de nuevos autores, presentar al público nuevas propuestas que nos estimulan y con las que pretendemos estimular a los demás, compartiendo el Arte, sirviendo de puente entre los artistas y el público, celebrando la posibilidad del encuentro entre observador y observado, entre creador y degustador, entre el alma del artista y la del que comtempla la obra de arte, intentando hacer posible esa necesaria comunicación.

Han sido muchas las experiencias a lo largo de tanto tiempo: mucho trabajo, mucho entusiasmo, mucho esfuerzo, mucha ilusión, mucho estrés y nervios, mucha pasión, mucho placer, alguna que otra decepción, etc… Hemos cambiado de ubicación, muchos recordarán los primeros años del mágico sótano de Acanto, con sus muros de piedra y sus techos abovedados. Por ser esta una celebración tan especial no sólo presentamos la muestra en nuestro local actual, sino que la hemos extendido a nuestro primigenio espacio, el sótano de Acanto, que hoy alberga el excelente y distinguido bar Macla. Mientras dure la exposición, como si de un viaje en el tiempo se tratara, y gracias a la generosidad y complicidad del equipo Macla , volverán los grabados de diversos artistas a colgar de los muros centenarios que vieron nacer nuestro proyecto artístico allá por el lejano año 2000.

Hemos ampliado la nómina de autores con la incorporación de grandes de la vanguardia que hasta ahora no habíamos presentado aún como Miró, Le Corbusier, Max Ernst, Henry Moore, Barjola, Palazuelo, Antonio López ; repiten muchos de los grandes como Picasso, Dalí, Tàpies, Chillida, Guinovart, Feito, Saura, Gordillo, Canogar, Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, Joaquín Capa, Manolo Valdés, Mariscal, Lamazares. Se incorporan también por primera vez Manuel Alcorlo, Cristobal Toral, Eduardo Naranjo, Pérez Villalta, César Luengo, Vicente Arnás, Clara Gangutia, Pedro Castrortega, Ceesepe, Javier de Juan, Ivan Araujo y Eloy Morales. Hemos contado también con algunos de los artistas habituales de la casa, en representación de todos los que forman parte de la familia Acanto como Monique de Roux, Miguel Carini, Paco Aguilar, Mika Murakami, Didier Lourenço o Javier Banegas. Especial hincapié hemos puesto en ofrecer una nutrida representación de artistas almerienses, ya sean de nacimiento o de adopción, ya que creemos importante apoyar y difundir el arte y los artistas de nuestra provincia, comandados por el histórico e ilustre Federico Castellón, auténtico emblema de nuestra galería, e incorporando por primera vez a Abraham Lacalle, nuestro artista actual más internacional, junto a los que estarán habituales como Martín Pastor, Emilio Pérez, Francisco Martínez Romera, Laia Arqueros, y muy especialmente Emilio Sdun, hermano artístico que ha fallecido este mismo año y al que dedicamos muy sentidamente esta muestra de esta su casa. Por último citar a dos nuevos fichajes almerienses, el veterano Antonio Egea, que aunque hasta ahora no había expuesto con nosostros, fue el primer coleccionista que se suscribió como socio de nuestra galería, y aún lo sigue siendo, y es un miembro más de esta casa, y por último la debutante Beatriz Salvador, almeriense de tan solo 21 años, totalmente dedicada al arte del grabado, su auténtica vocación, que viene de presentar su primera exposición en Londres. Hay muchas ausencias de artistas fundamentales de esta galería, algunos de ellos han tenido exposición individual este año con nosotros, y aunque haya sido imposible incluir a todos, están también presentes, pues forman parte de la pequeña historia y del presente de esta galería y de nuestro proyecto artístico.

Como dato curioso quiero apuntar que el orden en el que aparecen los nombres de los artistas es el cronológico de su nacimiento, desde el 1881 en que nació Picasso hasta el 1994 de Beatriz Salvador, siendo la obra más antigua que presentamos la litografía de Picasso de 1949, y las más recientes, varias obras de 2015 de diferentes autores. El Arte trasciende el tiempo y el espacio, es inmortal y eterno.

Emilio Fernández, Galería Acanto, diciembre 2015

“Made with Love” (part I) por Juan Antonio Morales y “Estaciones” por Karlos Kaplan, del 13 de noviembre al 12 de diciembre de 2015

21-11-2015

“Estaciones” por Karlos Kaplan y “Made with Love” (part I) por Juan Antonio Morales

9-11-2015

Dos exposiciones individuales simultáneas, entre el 13 noviembre y el 12 diciembre de 2015

Inauguración: viernes 13 de noviembre, 21 horas

Karlos Kaplan, Primavera E1. Carpeta Estaciones, 2014, Fotografía. Copia giclée con tintas pigmentadas sobre papel de algodón Moab Entrada Rag Natural 300 grs. Papel: 42 x 29,7 cm. Imagen: 29 x 19,3 cm. Edición: 10 ejemplares.1/10

“Estaciones” es una colección de doce fotografías de Karlos Kaplan ( pseudónimo de Carlos Fernández, Almería,1980), divididas en dos bloques, que se corresponden con las dos líneas de trabajo que desarrolla el autor :  uno figurativo: primavera y otoño, donde nos ofrece sugerentes imágenes descriptivas de lugares determinados, desde una personal y sensible mirada, dotándolas de gran lirismo; y otro abstracto: verano e invierno, en el que a través de subjetivas e impactantes composiciones pretende transmitirnos sensaciones conectadas con la estación en cuestión sobre la que reflexiona en cada caso, dejando a un lado la identificación real e incluso estacional de los lugares, dando primacía a las impresiones, sirviéndose para ello de los colores, las formas, las atmósferas y las texturas. A pesar de las diferencias cromáticas y estilísticas de cada grupo de obras, emana de todas ellas un halo de paz, quietud y serenidad, una luminosidad casi espiritual que nos induce a una placentera calma, a una contemplación meditativa, sintiendo que cada imagen nos acerca a la esencia misma de la existencia.

Juan Antonio Morales, Red Joy, 2015, Medidas serie Natural Size: 54 x 34,02 cm en papel de 72 x 52,02 cm. Hahnemühle German Etching 310 gr. Medidas serie Medium Size: 40 x 25,2 cm en papel de 45 x 30,2 cm. Hahnemühle Bamboo 290 gr. Técnica: Modelado digital en Blender y ZBrush. Renderizado con Cycles. Ajuste de color en Photoshop.

“Made with Love” (part I) se compone de seis hiperrealistas y simbolistas imágenes, rebosantes de luz, color y vitalidad, creadas por Juan Antonio Morales (Mazarrón, 1973) íntegramente en modelado digital, las primeras de un proyecto en pleno desarrollo que espera completar próximamente. Toda coincidencia con la realidad en este caso es una auténtica, extraordinaria e increíble “causalidad”, o lo que es lo mismo todas ellas son minuciosísimas recreaciones totalmente digitales y artificiales de objetos y escenas reales, son el efecto causado por el corazón, la mente y la mano del autor, con la ayuda de los programas Blender, Zbrush y Cycles. Composiciones de un detallismo extremo repletas de delicadas sutilezas, de un simbolismo emocional y narrativo íntimamente ligado a sus vivencias personales. Un bello canto al Amor y a la Vida que nos invita a participar de ella en una permanente celebración de la Belleza.

¿ Por qué presentamos ambas exposiciones simultáneamente? Porque son dos proyectos que dialogan entre sí a la perfección tanto técnica como visualmente, en una suerte de curiosas coincidencias y paradojas:

En primer lugar ambos artistas son de la casa, han expuesto con nosotros desde sus inicios, y nuestra galería ha sido la plataforma de difusión de su arte desde siempre.

Karlos Kaplan, Invierno E3. Carpeta Estaciones, 2014, Fotografía. Copia giclée con tintas pigmentadas sobre papel de algodón Moab Entrada Rag Natural 300 grs. Papel: 42 x 29,7 cm. Imagen: 29 x 21,7 cm. Edición: 25 ejemplares.1/25

Los dos trabajan técnicas digitales, y aquí la primera paradoja:

mientras Karlos capta imágenes reales muchas de las cuales se transforman en composiciones totalmente abstractas alejadas de cualquier realidad reconocible al margen de la realidad plástica; Juan Antonio crea artificialmente imágenes cuya asombrosa apariencia realista es una mera ilusión óptica.

Ambos proyectos tienen una gran carga emocional y poética, con protagonismo de la luz, los colores intensos y los elementos de la naturaleza que en “Estaciones” aparecen en su hábitat natural, y en “Made with Love” en interiores, a modo de naturalezas muertas.

Karlos es un almeriense que vive en Alemania, país donde ha capturado la mitad de las imágenes (primavera y otoño), perteneciendo la otra mitad (verano e invierno) a Almería, aunque su encuentro inspirador con las auténticas estaciones del año se ha producido en el país germano donde seleccionó y dio sentido a esta carpeta, al margen de la procedencia de las imágenes.

Juan Antonio es un murciano, que habita a caballo entre Chequia y Almería, y cuya inspiración para la creación de estas imágenes procede de aquél país centroeuropeo y sus vivencias en él.

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